La exposición se centra en La Novia, la gran pintura de Klimt, inacabada debido a su inesperada y prematura muerte en febrero de 1918. La exposición se contextualiza con numerosos dibujos a lápiz en los que Klimt había trabajado cuidadosamente muchas de las figuras de la pintura, así como con estudios adicionales hallados en el último cuaderno de bocetos del artista. Gran parte de estos estudios se exhiben ahora al público, lo que permite una comparación directa con la pintura. Como parte de los preparativos de la exposición, se realizaron análisis técnicos exhaustivos de la pintura, incluyendo radiografías, cuyos resultados también se presentarán.

La exposición desvela los secretos que se esconden bajo la superficie de las famosas obras de Gustav Klimt: ¿cómo aplicaba el artista el oro y otros metales preciosos al lienzo? Las tecnologías actuales permiten observar las capas internas de la pintura y comprender el proceso de trabajo de Klimt.

A través de veinticuatro obras de Ignacio Zuloaga (1870-1945) y doce de Hermen Anglada-Camarasa (1871-1959), esta exposición nos permite disfrutar de las coincidencias y diferencias entre estos dos pintores. En sus obras, ambos representaron los temas tan en boga en el París de la época, como los gitanos, los trajes de la cultura maja madrileña y los paisajes. A pesar de que ambos artistas tenían una fuerte y muy similar influencia del Impresionismo y el Postimpresionismo, las divergencias entre sus lenguajes pictóricos y enfoques individuales eran bastante claras.

La exposición del Museo Orsay sobre el artista noruego Christian Krohg es la primera retrospectiva de su obra fuera de Escandinavia, después de las exposiciones en Oslo y Lillehammer el 2012 y Copenhague el 2014. Al destacar las obras naturalistas y comprometidas de Krohg, el museo ofrece una nueva perspectiva sobre el arte noruego de finales del siglo XX y principios del siglo XX.

Por primera vez, el Petit Palais revela la diversidad y amplitud de su colección de diseños de joyería, que abarca más de un siglo de creación, desde la segunda mitad del siglo XIX hasta mediados del siglo XX.

La exposición «Tiempos de cambio» entrelaza elementos biográficos y artísticos, centrándose en las rupturas y transformaciones de las «obras tardías» de Egon Schiele de 1914 a 1918, un periodo que hasta ahora ha recibido comparativamente poca atención. Durante este periodo, Schiele abandonó gradualmente los radicales experimentos formales de 1910 a 1914 y desarrolló un estilo más realista caracterizado por una empatía más profunda. Su trazo se hizo más tranquilo, fluido y orgánico, y las figuras que representaba adquirieron mayor plenitud física. La exposición también ofrece nuevas perspectivas sobre este periodo crucial al incorporar materiales de archivo contemporáneos, como el diario inédito de Edith Schiele.

La primera muestra que el Museo de Orsay dedica al espectacular desarrollo del cartel ilustrado en color a finales del siglo XIX.

La exposición, que incluye una serie única de obras de los maestros del cartelismo, muestra cómo este medio se elevó hasta "al rango de la pintura mural", tal y como lo expresó el crítico de arte de Nancy Roger Marx. Esta inmersión en la era dorada del cartel ilustrado también analiza el auge del consumo y la cultura de masas, en las que el arte del cartelismo tuvo un papel a la vez como vector y síntoma. Dibujos, objetos de arte, fotografías y pinturas evocan el efervescente mundo de la calle como escenario durante la Belle Époque, cuya imagen fue en parte conformada por estos carteles.

La muestra, que se podrá visitar del 18 de marzo al 6 de julio de 2025, está organizada en colaboración con la Biblioteca Nacional de Francia. Lo han comisariado conjuntamente Élise Dubreuil, curadora jefe de Artes Decorativas del Museo de Orsay; Sandrine Maillet, responsable de la colección de carteles de la Biblioteca Nacional de Francia; Anne-Marie Sauvage, curadora general de bibliotecas, y Clémence Raynaud, curadora jefe de Arquitectura del Museo de Orsay.

La muestra reúne a un centenar de objetos característicos del Modernismo en sus variantes de España, Art Nouveau en Francia y Bélgica, Jugendstil en Alemania y Sezession austríaca. También se dedica dos espacios monográficos a los diseñadores Josef Hoffman y Peter Behrens.

Una exposición de obras maestras del Art Nouveau, en la que las flores son las protagonistas.

El Palazzo Bonaparte presenta "Munch:The Inner Cry", una gran exposición retrospectiva dedicada a Edvard Munch, con 100 obras del Museo Munch de Oslo.