La exposición se centra en La Novia, la gran pintura de Klimt, inacabada debido a su inesperada y prematura muerte en febrero de 1918. La exposición se contextualiza con numerosos dibujos a lápiz en los que Klimt había trabajado cuidadosamente muchas de las figuras de la pintura, así como con estudios adicionales hallados en el último cuaderno de bocetos del artista. Gran parte de estos estudios se exhiben ahora al público, lo que permite una comparación directa con la pintura. Como parte de los preparativos de la exposición, se realizaron análisis técnicos exhaustivos de la pintura, incluyendo radiografías, cuyos resultados también se presentarán.

La exposición desvela los secretos que se esconden bajo la superficie de las famosas obras de Gustav Klimt: ¿cómo aplicaba el artista el oro y otros metales preciosos al lienzo? Las tecnologías actuales permiten observar las capas internas de la pintura y comprender el proceso de trabajo de Klimt.

A través de veinticuatro obras de Ignacio Zuloaga (1870-1945) y doce de Hermen Anglada-Camarasa (1871-1959), esta exposición nos permite disfrutar de las coincidencias y diferencias entre estos dos pintores. En sus obras, ambos representaron los temas tan en boga en el París de la época, como los gitanos, los trajes de la cultura maja madrileña y los paisajes. A pesar de que ambos artistas tenían una fuerte y muy similar influencia del Impresionismo y el Postimpresionismo, las divergencias entre sus lenguajes pictóricos y enfoques individuales eran bastante claras.

La exposición del Museo Orsay sobre el artista noruego Christian Krohg es la primera retrospectiva de su obra fuera de Escandinavia, después de las exposiciones en Oslo y Lillehammer el 2012 y Copenhague el 2014. Al destacar las obras naturalistas y comprometidas de Krohg, el museo ofrece una nueva perspectiva sobre el arte noruego de finales del siglo XX y principios del siglo XX.

Por primera vez, el Petit Palais revela la diversidad y amplitud de su colección de diseños de joyería, que abarca más de un siglo de creación, desde la segunda mitad del siglo XIX hasta mediados del siglo XX.

La exposición «Tiempos de cambio» entrelaza elementos biográficos y artísticos, centrándose en las rupturas y transformaciones de las «obras tardías» de Egon Schiele de 1914 a 1918, un periodo que hasta ahora ha recibido comparativamente poca atención. Durante este periodo, Schiele abandonó gradualmente los radicales experimentos formales de 1910 a 1914 y desarrolló un estilo más realista caracterizado por una empatía más profunda. Su trazo se hizo más tranquilo, fluido y orgánico, y las figuras que representaba adquirieron mayor plenitud física. La exposición también ofrece nuevas perspectivas sobre este periodo crucial al incorporar materiales de archivo contemporáneos, como el diario inédito de Edith Schiele.

La primera muestra que el Museo de Orsay dedica al espectacular desarrollo del cartel ilustrado en color a finales del siglo XIX.

La exposición, que incluye una serie única de obras de los maestros del cartelismo, muestra cómo este medio se elevó hasta "al rango de la pintura mural", tal y como lo expresó el crítico de arte de Nancy Roger Marx. Esta inmersión en la era dorada del cartel ilustrado también analiza el auge del consumo y la cultura de masas, en las que el arte del cartelismo tuvo un papel a la vez como vector y síntoma. Dibujos, objetos de arte, fotografías y pinturas evocan el efervescente mundo de la calle como escenario durante la Belle Époque, cuya imagen fue en parte conformada por estos carteles.

La muestra, que se podrá visitar del 18 de marzo al 6 de julio de 2025, está organizada en colaboración con la Biblioteca Nacional de Francia. Lo han comisariado conjuntamente Élise Dubreuil, curadora jefe de Artes Decorativas del Museo de Orsay; Sandrine Maillet, responsable de la colección de carteles de la Biblioteca Nacional de Francia; Anne-Marie Sauvage, curadora general de bibliotecas, y Clémence Raynaud, curadora jefe de Arquitectura del Museo de Orsay.

La muestra reúne a un centenar de objetos característicos del Modernismo en sus variantes de España, Art Nouveau en Francia y Bélgica, Jugendstil en Alemania y Sezession austríaca. También se dedica dos espacios monográficos a los diseñadores Josef Hoffman y Peter Behrens.

Una exposición de obras maestras del Art Nouveau, en la que las flores son las protagonistas.

El Palazzo Bonaparte presenta "Munch:The Inner Cry", una gran exposición retrospectiva dedicada a Edvard Munch, con 100 obras del Museo Munch de Oslo.

Esta exposición reúne notables ejemplos de cerámica francesa que demuestran la enorme innovación en el campo de la cerámica artística entre las décadas de 1860 y 1910. Durante este periodo, los artistas europeos se vieron profundamente influidos por el arte japonés, incluidos los grabados en madera, la cerámica, los textiles y los objetos lacados, que llegaron a Europa tras la reapertura forzosa de los puertos japoneses al comercio exterior en la década de 1850. Como parte de un fenómeno cultural más amplio que llegó a conocerse como «japonismo», artistas como Félix Bracquemond, Ernest Chaplet, Théodore Deck, François Laurin y Albert-Louis Dammouse incorporaron a sus cerámicas temas, decoraciones y formas inspirados en el arte japonés, a la vez que experimentaban con nuevas técnicas como la barbotina (un método de decoración de cerámicas con engobes de arcilla coloreados) y esmaltes que imitaban ejemplos muy apreciados de la cerámica de Asia oriental.

Las obras expuestas proceden de la colección de Larry A. Simms, profesor jubilado de una escuela pública de Nueva Jersey que reunió una de las colecciones privadas de cerámica japonista más importantes de Estados Unidos, muchas de las cuales ha donado ahora al Museo de Arte de Filadelfia.

La exposición revaloriza la obra del artista pionero del Art Nouveau Alphonse Mucha (n. 1860, Ivančice, Moravia, Imperio austriaco; m. 1939, Praga, Checoslovaquia) y explora su impacto en el arte gráfico desde la década de 1960. Esta exposición ofrece la oportunidad de examinar el desarrollo del estilo de Mucha y de explorar cómo su arte fue redescubierto por generaciones posteriores de artistas. Mucha fue una influencia clave en el arte psicodélico de los años sesenta y setenta, así como en una amplia gama de la cultura visual desde finales del siglo XX hasta nuestros días, ejemplificada en los cómics estadounidenses, el manga japonés y los murales callejeros.

El  Centro Art Nouveau de Riga, una asociación de instituciones culturales del Ayuntamiento de Riga, invita a expertos en Modernismo, investigadores, arquitectos y especialistas en patrimonio a participar en el congreso internacional «La diversidad del Art Nouveau en el contexto regional», que se celebrará en Riga (Letonia) los días 23 y 24 de octubre de 2025.

El congreso presentará el analisis de las manifestaciones del Modernismo en distintas ciudades europeas, con un énfasis especial en la imaginería, la originalidad y las especificidades locales del estilo.

Riga destaca por una arquitectura, un arte y una cultura modernistas impresionantes y es, por tanto, un lugar perfecto para celebrar el encuentro de los expertos más reconocidos del estilo y debatir sobre la diversidad, la preservación y la comprensión actual de este rico patrimonio cultural. El congreso pondrá en valor Riga como metrópolis modernista en el espacio cultural europeo, centrándose en las interpretaciones del estilo en distintas regiones. Los participantes tendrán la oportunidad de descubrir los últimos hallazgos de los investigadores letones y extranjeros. Se seleccionarán algunos de los trabajos para considerar su publicación en un volumen.

El comité encargado de elaborar el programa del congreso hace un llamamiento a presentar resúmenes hasta el 10 de mayo mediante el formulario de inscripción que se encuentra en este enlace: https://ej.uz/ArtNouveauDiversitiesinRegionalContext.

El 24 de mayo se notificará la inclusión o no de la propuesta en el programa del congreso.